Ganz grundsätzlich ist Mahaffeys Stil eine Antwort auf die Frage: Welche Art von Kunst sollte sie machen? Als Kind wollte sie Illustratorin werden. Kinderbuchkunst war eine große Inspiration. Sie war und ist ein Fan von Cartoons und Comics. Dr. Seuss-Bücher, alte Disney-Bücher, Scooby-Doo, die Jetsons und Hellboy gehören alle zu ihren Einflüssen. Während ihrer zwei Jahre an der American Academy of Art in Chicago hatte sie Schwierigkeiten, sich für ein Hauptfach zu entscheiden. Sollte sie sich für Illustration oder bildende Kunst entscheiden? „Ich wollte mich eigentlich nicht entscheiden“, sagt sie über die beiden Disziplinen. „Ich habe angefangen, einen Weg zu finden, sie miteinander zu verschmelzen, so dass sie irgendwie ein bisschen von beidem haben können.“
Schon früh passte Mahaffeys Werk fest in den Bereich der Fantasy-Kunst. Sie illustrierte Meerjungfrauen und Krieger und fing pastorale Schauplätze ein, die an Geschichten wie „Der Herr der Ringe“ erinnern. Mit der Zeit verfolgte sie eine andere Bildsprache. Mahaffey orientierte sich an ihren Pop-Art-Einflüssen und wechselte von der hauptsächlichen Verwendung von Aquarellfarben zur Malerei mit Acrylfarben. Seitdem ist die Fantasie zu einem tieferen Thema geworden, das ihre Bilder verbindet.
„Das 2-D soll die Laune, das Staunen und die Vorstellungskraft darstellen, die wir alle besitzen“, sagt Mahaffey. Die Porträts und stark gerenderten Teile der Gemälde verankern die Bilder in der Realität. „Wir alle haben diese Seite von uns, die mehr Fantasie, mehr Launen, mehr Vorstellungskraft hat“, sagt Mahaffey, „aber in unserem täglichen Leben zeigen wir sie nicht unbedingt.“
Zu Beginn ihrer Karriere malte Mahaffey viele Erwachsene, insbesondere Senioren. Aber sie begann an ihre allgemeinen Gespräche mit älteren Menschen zurückzudenken und an das zum Ausdruck gebrachte Bedauern, dass sie sich vielleicht gewünscht hätten, in ihre Jugend zurückzukehren und die Dinge vielleicht anders zu machen. „Es ist so, dass man alt wird und es bereuen muss“, sagt sie. Sie fügt jedoch hinzu: „Man könnte immer noch ein bisschen wie ein Kind leben, aber man muss nicht unbedingt ein Kind sein.“
Auch wenn sich die Gemälde jetzt größtenteils auf Kinder konzentrieren, geht es ihnen nicht im wahrsten Sinne des Wortes um Kinder. „Auch wenn die Figur ein Kind darstellt, muss es nicht unbedingt ein echtes Kind sein, sondern eher wie das Kind, das in dir steckt“, sagt sie.
Mahaffey weist darauf hin, dass die Menschen ihre Jugend möglicherweise als etwas betrachten, das sie nicht zurückbekommen können. Sie hat eine andere Einstellung. „Allein durch das Leben fühlt man sich gewissermaßen jünger“, sagt sie. „Sie werden es nicht so sehr bereuen, wenn Sie anfangen, die Dinge, die Sie tun, zu genießen, anstatt alles ein bisschen zu ernst zu nehmen.“
Wenn Mahaffey in ihrer Arbeit auf die Popkultur Bezug nimmt, greift sie auf unterschiedliche Epochen zurück. Sie könnte Anspielungen auf amerikanische Zeichentrickfilme aus dem Goldenen Zeitalter, klassische Animes oder 8-Bit-Videospiele enthalten. Es könnte auch Teile der Popkultur des 21. Jahrhunderts enthalten. Diese breite Palette visueller Hinweise ermöglicht es ihren Botschaften, mehrere Generationen von Zuschauern anzusprechen. Die Kinder auf den Gemälden sind nicht unbedingt die Kinder der 2020er Jahre. Sie könnten Babyboomer oder Gen X, Millennials oder Gen Z sein.
Ich wollte, dass es ein Gefühl des Sieges vermittelt, ein Gefühl der Widerstandsfähigkeit, das Gefühl, niemals aufzugeben.“
Manchmal werden Mahaffeys Stücke von persönlichen Situationen beeinflusst. In „Wear and Tear“ – aus ihrer Thinkspace-Einzelausstellung Deconstructed aus dem Jahr 2020 – zeigt sie das Gesicht eines jungen Mädchens, das von einer Gruppe Zeichentrickfiguren, die aus ihrem Kopf zu klettern scheinen, in zwei Hälften geteilt wird. Auf der einen Seite formt der Mund des Mädchens ein sanftes Lächeln. Auf der anderen Seite ist ihr Gesichtsausdruck nachdenklich, während zwei Tränen über ihren Wangenknochen tropfen.
Mahaffey sagt, dass sie zum Zeitpunkt der Entstehung dieses Gemäldes Schwierigkeiten hatte, das „Leben in der Kunstwelt“ in Einklang zu bringen, und dass das Werk dies widerspiegeln sollte. „Ich wollte mit dem Gefühl umgehen, in die eine oder andere Richtung gezogen zu werden“, erklärt Mahaffey, „aber gleichzeitig musste ich verbergen, was ich wirklich in mir fühlte, ohne es nach außen zeigen zu lassen.“
„Wear and Tear“ war ein komplizierteres Stück zu malen. „Das Schwierigste war, realistische Hauttöne rund um das 2D zu malen und dann wieder hineinzugehen und zu reparieren“, sagt Mahaffey und weist darauf hin, dass sie bis zum Rand der Figuren arbeiten würde, um sicherzustellen, dass die Farben nicht ineinander übergehen. „Es war definitiv einfacher zu zeichnen als tatsächlich zu malen, wenn es darum ging, den Hautton direkt neben den 2D-Figuren im Gesicht zu platzieren“, sagt sie.
„Wear and Tear“ ist ein schönes Beispiel für Mahaffeys Talent, zwei sehr unterschiedliche Stilrichtungen zu vereinen. In ihren Porträts fängt sie die Tiefe von Hauttönen und Haarfarben ein, während die fantasievollen Elemente die mit Animationskunst verbundene Flachheit bewahren. Sie sagt, dass es oft diese 2D-Elemente sind, die schwieriger zu malen sind. „Um weiße Handschuhe zu bekommen, muss ich vier oder fünf Schichten derselben Farbe auftragen“, sagt sie. „Drei Schichten für die weißen Handschuhe und dann warten, bis es am nächsten Tag trocken ist, und dann noch ein paar Schichten auftragen und es dann immer und immer wieder auftragen, nur um das eine Weiß sehr kräftig zu machen.“
Credit Post By: Liz Ohanesian