In der weitverbreiteten Vorstellung geht man oft davon aus, dass Künstler um des Schaffens willen schaffen und sich nicht den Anforderungen der marktorientierten Welt außerhalb ihrer Ateliers unterwerfen. Obwohl viele bekannte Künstler die Grenzen zwischen Kunst und Kommerz verwischt haben (da fällt mir Jeff Koons ein), besteht zwischen den beiden Bereichen eine umstrittene Beziehung. Gerade in der Street-Art- und Graffiti-Welt stoßen geschäftstüchtige Künstler oft auf misstrauische Blicke. Straßenkunst ruft Rebellion hervor – selbst in einer Zeit, in der sie von Mainstream-Kunstinstitutionen angenommen wird – und ihre Künstler werden oft an Idealen gemessen, die im Widerspruch zu den realen Anforderungen des Lebensunterhalts stehen.
Im Laufe seiner zwanzigjährigen Karriere hat der in Los Angeles lebende Künstler Tristan Eaton verschiedene Bereiche der bildenden Kunst durchquert, ohne Rücksicht auf die zugrunde liegenden Ideologien zu nehmen, sei es bei der Verfolgung von bildender Kunst, kommerzieller Arbeit oder auf andere Weise. Er scheint wie ein Söldner zu agieren, der jede Gelegenheit nutzt, die sich ihm bietet, ohne sich mit einem bestimmten Etikett zu identifizieren.
Eaton hat die Kunstschule abgebrochen und arbeitet seit seiner Teenagerzeit in Detroit als Vollzeitkünstler. Er fälschte seine Identitätskennzeichnungszüge, entwarf Rave-Poster und schuf respektlose Illustrationen für das Kult-Humormagazin Orbit. Als er gerade 18 Jahre alt war, förderte die ©POP Gallery (ein einflussreicher Raum für bescheidene Kunst) seine Arbeit und gab ihm seine erste Ausstellung. Im selben Jahr entwarf er sein erstes Spielzeug für Fisher-Price. Ermutigt durch lokale Maler, die erfolgreiche Illustrationskarrieren unter einen Hut brachten, ergriff Eaton die Gelegenheit, seine Kreativität in jedes Projekt einzubringen, das ihm in den Sinn kam.
Eatons erfolgreiche Designkarriere ist in den letzten zwei Jahrzehnten parallel zu seiner Wandmalerei und Studiopraxis gewachsen. Seine Bemühungen waren erhaben und vielfältig. Er hat in der renommierten Londoner Galerie Lazarides ausgestellt und überall von Deutschland bis Guam monumentale Wandgemälde gemalt. Er hat Anzeigen für Unternehmen wie Nike und Disney erstellt. Er war Mitdesigner des Originals Dunny, dem kultigsten Vinylspielzeug von Kid Robot. Seine produktive Kundenarbeit hat zu finanzieller Stabilität und weitreichender Bekanntheit geführt. Doch nachdem Eaton zehn Jahre lang sein in New York ansässiges Designunternehmen Thunderdog Studios besaß und betrieb, begann er sich erstickt zu fühlen. Im Jahr 2012 zog er nach LA, der Stadt, in der er seine frühe Kindheit verbrachte, und begann, seine Aufträge zu reduzieren.
„Ich befinde mich in einer Zwischenphase, in der ich versuche, von meiner schönen Kunst zu leben“, sagte der Künstler während unseres Telefongesprächs im Oktober mit einem unerwartet erwartungsvollen Ton, während im Hintergrund sein Motor hochdrehte. Er war gerade aus Paris zurückgekommen, wo er ein aufsehenerregendes, mehrstöckiges Wandgemälde malte, und war auf dem Weg in sein Atelier, um ein Werk für seine erste Einzelausstellung seit Jahren, Changing the Subject, in der Above Second Gallery in Hongkong fertigzustellen.
Dies war ein überraschendes Eingeständnis von jemandem mit Eatons umfassender Erfahrung. Sein Leistungsniveau in verschiedenen kreativen Bereichen schien für sich zu sprechen. Aber für Eaton war die bildende Kunst ein Schwachpunkt. Er hatte sich mit der Illustration vertraut gemacht. Man könne den Erfolg einer Illustration anhand der Anforderungen des Kunden beurteilen, erklärte er. Sich auf seine persönliche Arbeit zu konzentrieren bedeutete, sich den Launen des prekären Kunstmarktes auszusetzen. Obwohl er sich schon immer für seine Kunst begeistert hatte, hatte er sich nie darauf verlassen, um zu überleben.
Credit Post By: Nastia Voynovskaya