Wir freuen uns sehr, unser Interview mit dem Gewinner des Surreal Salon 18, River Reishi, zu teilen, der von Gastjuror Swoon ausgewählt wurde. Anlässlich des Gewinns sprachen wir mit Reishi über die Arbeit in der Show, die Geschichte des Surreal Salon und ihre bevorstehenden Reisen.
Juxtapoz: Herzlichen Glückwunsch zum großen Sieg! Sprechen Sie über das Gewinnerwerk, die Geschichte dahinter, den Prozess und sogar den Prozess der Einreichung im Surreal Salon?
Fluss Reishi: Das Stück heißt Oberflächenspannung. Es zeigt eine Gestalt, die aus dunklem Wasser auftaucht und ihre Hände nach vorne streckt, als ob sie im Begriff sei, die Oberfläche zu durchbrechen und in unsere Welt einzutreten. Sie ist halb untergetaucht und schwebt in diesem seltsamen Moment zwischen zwei Reichen. Um sie herum liegt ein vergängliches Feld aus schwarzem Sand und Bernstein.
Von Land aus sieht die Wasseroberfläche glatt und durchsichtig, fast leer aus. Aber natürlich verbirgt sich dahinter eine ganze Welt, die nicht unsere ist. Diese Schwelle hat mich schon immer fasziniert. Die Installation versucht genau den Moment festzuhalten, in dem sich die beiden Welten treffen.
Die Skulptur leuchtet auch von innen schwach, was in der hellen Galeriebeleuchtung etwas schwer zu erkennen war, aber bei Annäherung sichtbar wird. Ich mag diese stille Überraschung. Das Stück sieht zunächst still aus, aber es besteht das Gefühl, dass gleich etwas passieren wird. Wasser ist oft ein Symbol des Lebens, birgt aber auch Gefahr und Kraft. Louisiana und die Golfregion kennen diese Realität sehr gut. Ich denke, ein Teil dieser Spannung hat seinen Weg in die Arbeit gefunden.
Der schwarze Sand, der die Skulptur umgibt, ist locker und von Hand zu Mustern gezeichnet, sodass die Installation in dieser Form nur für kurze Zeit existiert. Schon kleine Vibrationen verändern es. Ich interessiere mich für diese Fragilität, für Werke, die nicht ganz fixiert bleiben können.
Es war bereits eine Ehre, in einer von Caledonia Curry (Swoon) kuratierten Ausstellung vertreten zu sein. Als ich ankam, um das Stück zu installieren, und die anderen Werke zum ersten Mal sah, dachte ich noch daran, wie eindringlich und unvergesslich jedes einzelne war. Daher kam es mir im wahrsten Sinne des Wortes surreal vor, als ich später am Abend hörte, dass das Stück als „Best in Show“ angekündigt wurde.
Haben Sie den Surreal Salon in den vergangenen Jahren verfolgt? Was wussten Sie darüber?
Ich hatte jahrelang durch die Pop-Surrealisten-Kunstszene vom Surreal Salon gehört, aber dies war das erste Mal, dass ich nahe genug wohnte, um persönlich dabei zu sein. Ich hörte immer wieder, dass es sich ein wenig wie ein inoffizieller Auftakt der Karnevalssaison anfühlte, dass die Leute in aufwendigen Kostümen kamen und dass der ganze Abend diese feierliche, leicht außerirdische Atmosphäre hatte.
Was mir erst bei meiner diesjährigen Teilnahme klar wurde, war, dass einige Leute ihre Kostüme tatsächlich auf der Grundlage der Kunstwerke in der Ausstellung entwerfen. Das war erstaunlich zu sehen. Irgendwann kam jemand auf mich zu und trug ein Kostüm, das von meinem Stück inspiriert war. Ihm dabei zuzusehen, wie er es modellierte und erklärte, wie die Skulptur das Design beeinflusste, machte meinen Abend vollkommen. Es fühlte sich an, als wäre das Werk kurzzeitig aus der Galerie in den Raum getreten!
Außerdem war es eine wunderbare Ergänzung, SWOON als Juror für den diesjährigen Wettbewerb gewinnen zu dürfen. Ich habe es in der Vergangenheit getan und es war eine harte und erfüllende Arbeit. Was wussten Sie über die Arbeit von SWOON und hat das überhaupt Ihre Einreichung beeinflusst?
Ich bewundere Swoons Arbeit seit langem, insbesondere ihre Installationen und die Art und Weise, wie sie sich zwischen Skulptur, Architektur und öffentlicher Intervention bewegt. Ich habe 2009 zum ersten Mal von ihr gehört, als sie das Projekt „Swimming Cities of Serenissima“ auf die Biennale in Venedig brachte. Eine Flotte skulpturaler Flöße, die in einen der am stärksten formalisierten Räume der Kunstwelt schwammen, war eine unvergessliche Geste.
Der Akt, auf diese Weise anzukommen, ohne auf eine institutionelle Genehmigung zu warten, wurde Teil des Kunstwerks selbst. Diese Art von Kühnheit ist mir immer geblieben. Es ist schwierig, in die Kunstwelt einzudringen, insbesondere in Räumen, in denen die Stimme sorgfältig ausgewählt und kuratiert wird. Es war unglaublich inspirierend zu sehen, wie eine Künstlerin sich auf so kreative Weise Raum schaffte.
Mir gefällt auch die Richtung, in die ihre Arbeit in letzter Zeit mit dem Sibylant Sisters-Projekt gegangen ist. Meine eigene Arbeit ist zutiefst von Mythen und Geschichtenerzählen inspiriert, daher war es faszinierend zu beobachten, wie sie diese Welt entwickelte, ihre eigenen Orakelkarten erstellte und eine lebendige Mythologie rund um die Arbeit aufbaute. Künstler haben etwas Mächtiges daran, symbolische Sprachen zu erfinden, in die sich Menschen hineinversetzen können. Daher war es für mich ein sehr bedeutungsvoller Moment, sie kennenzulernen und eine meiner Installationen kennenzulernen.
Sie arbeiten in verschiedenen Medien, wobei Skulptur und Installation Ihr Schwerpunkt zu sein scheinen. Sprechen Sie ein wenig über Ihren Prozess und wo fühlen Sie sich als Macher am wohlsten?
Ich bin mir nicht sicher, ob ich mich in irgendeinem Medium wohl fühle, und ich denke, das ist wahrscheinlich eine gute Sache. Ich neige dazu, mich dem Material zuzuwenden, das für die jeweilige Idee notwendig erscheint. In vielerlei Hinsicht entstand meine Praxis aus praktischen Zwängen. Da ich lange Zeit kein großes Atelier hatte, musste ich Wege finden, Arbeiten zu schaffen, die sich vorübergehend in einen Raum ausdehnen und dann wieder verschwinden konnten. Aus dieser Realität entstanden Sand, modulare Skulpturenelemente und vergängliche Materialien.
Im Laufe der Zeit wurden diese Einschränkungen Teil der Sprache des Werks selbst. Ich fühle mich zu Materialien hingezogen, die ein Gefühl von Zerbrechlichkeit und Transformation vermitteln. Die Installation ermöglicht es mir, um die Skulptur herum eine Umgebung zu schaffen, in der sich diese Ideen besser entfalten können und in der der Betrachter nicht nur ein Objekt betrachtet, sondern in einen Moment oder eine Geschichte eintaucht.
Welche Art von Künstlern haben Sie beeinflusst, als Sie begannen, Ihre eigene Stimme zu finden? Und als nette Anekdote: Was war das letzte Werk, das Sie dazu veranlasste, innezuhalten und wieder ins Studio zu gehen und etwas zu kreieren?
Stimme ist für mich als Frau ein interessantes Konzept, da Frauen oft mit besonderen Hindernissen konfrontiert sind, wenn es um die Entstehung einer Stimme geht. Es erfordert ein gewisses Maß an Kühnheit, etwas zu sagen und es in die Kunst umzusetzen. In gewisser Weise bitten Sie die Welt, zuzuhören. Aus diesem Grund inspirieren mich besonders Frauen, die Kunst machen, ohne um Erlaubnis zu fragen.
Ich habe bereits erwähnt, wie beeindruckend es für mich war, zu erfahren, dass Swoon ihr Projekt „Swimming Cities“ auf die Biennale in Venedig brachte. Diese Geste ist mir immer in Erinnerung geblieben, nicht nur wegen der Arbeit selbst, sondern auch wegen des Selbstvertrauens, das dahinter steckt. Die Bereitschaft, Platz in einer Welt zu beanspruchen, die ihn nicht immer leicht bietet. Momente wie dieser erinnern mich daran, dass es bei der Stimme nicht nur darum geht, was man als Künstler sagt, sondern darum, sich selbst zu erlauben, es überhaupt zu sagen. Diese Idee prägt weiterhin die Art und Weise, wie ich an meine eigene Arbeit herangehe.
Was das letzte Kunstwerk betrifft, das mich innehalten ließ: Ich habe kürzlich das Museo Nacional de Antropología in Mexiko-Stadt besucht. Ein Spaziergang durch die Galerien mit figurativer Keramik aus verschiedenen Regionen Mexikos war absolut faszinierend. Vor allem die Maya-Keramik hat mir den Atem geraubt. In ihnen steckt so viel Geist, so ein Gefühl der Präsenz. Ich bin auf ein Keramikgesicht gestoßen, das mich zutiefst berührt hat. Ich habe es mir jetzt schon mehrmals angeschaut, und jedes Mal fühle ich mich inspirierter, zur Bildhauerei zurückzukehren.
Was haben Sie dieses Jahr sonst noch geplant? Sind Sie jemand, der gerne in einer Galerie arbeitet, oder bevorzugen Sie alternative Möglichkeiten, Ihre Arbeiten zu zeigen?
Diesen Sommer werde ich im August mit der Raf Gallery in Reykjavik, Island, zusammenarbeiten. Am 12. August wird eine totale Sonnenfinsternis direkt über Reykjavik hinwegziehen, und später in diesem Monat feiert die Stadt Menningarnótt, ein großes stadtweites Kunst- und Kulturfestival.
Die Raf Gallery arbeitet sowohl mit Kunstwerken als auch mit baltischem Bernsteinschmuck, und ich habe mich schon immer zu Bernstein sowohl als Material als auch als mythologischem Objekt hingezogen gefühlt. Für die Ausstellung werde ich Skulpturen und eine Sandinstallation installieren, die den Mythos von der Geburt des baltischen Bernsteins erzählen und gleichzeitig über die Sonnenfinsternis-Mythologie und die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht nachdenken.
Der Sand wird vom örtlichen Ufer kommen und am Ende der Ausstellung lade ich die Gemeinde ein, die Installation mit mir abzubauen. Wir tragen den Sand zurück zum Meer und geben ihn mit einem Wunsch, einem Gebet oder einer Absicht zurück.
Ich liebe Island sehr. Der schwarze Sand, den ich oft in meinen Installationen verwende, wurde vom Vulkanstrand von Reynisfjara inspiriert, daher fühlt es sich sehr bedeutungsvoll an, dort in einem so seltenen himmlischen Moment Arbeiten schaffen zu können.
Was den Ort angeht, an dem ich meine Arbeiten gerne zeige, genieße ich viele verschiedene Kontexte. Meine Installationen sind in Galerien, Museen, leeren Ladenlokalen und sogar Rathäusern zu sehen. Aber mein Lieblingsort für kurzlebige Arbeit ist der Strand.
Als ich im US-Bundesstaat Washington in der Nähe des Meeres lebte, bauten Freunde und ich manchmal provisorische Altäre aus Blumen, Treibholz, Muscheln und Pflanzen als Opfergaben für das Wasser. Die Flut würde langsam alles wegtragen. Es ist etwas ganz Besonderes, gemeinsam etwas aufzubauen, das nur für diese eine Nacht existiert.
Was hat Ihnen an der gesamten Surreal Salon-Erfahrung gefallen? Was waren einige der Highlights?
Der ganze Abend hatte eine unglaubliche Energie. Allein die Kostüme waren außergewöhnlich und überall, wo man hinschaute, entfaltete sich ein weiterer kleiner Moment der Kreativität. Musik, Gespräche, Künstler treffen sich wieder, Menschen entdecken ihre Arbeit zum ersten Mal. Es fühlte sich im besten Sinne feierlich an.
Es gab auch einen unerwarteten Moment früh in der Nacht. Jemand ist versehentlich rückwärts in die Plattform gefahren, auf der sich meine Installation befand, und als sich die Plattform bewegte, vibrierte der Sand und viele der detaillierten Entwürfe verschwanden. Zum Glück ging es der Person, die gestolpert ist, völlig gut, was das Wichtigste war. Aber auf seltsame Weise enthüllte dieser Moment auch etwas Wesentliches über das Werk. Einige Leute hatten angenommen, der Sand sei festgeklebt oder aufgemalt worden. Als es sich verschob, wurde plötzlich klar, dass die gesamte Oberfläche locker und handgezeichnet war. Ich saß neben dem Stück, reparierte es sorgfältig und zeichnete die Muster neu in den Sand und Bernstein, während die Leute zusahen.
Für mich hat dieser Moment den Geist der Arbeit eingefangen. Die Installation existierte in genau dieser Form nur in dieser Nacht. Es könnte wiederhergestellt werden, aber es würde nie wieder genau dasselbe sein. Jeder dort war Zeuge von etwas Vorübergehendem, etwas, das nur zu diesem Moment gehörte. Und das auf eine Weise, die sich sehr passend zum Surreal Salon selbst anfühlte.
River Reishi ist ein multidisziplinärer Künstler, dessen Skulpturen und vergängliche Sandinstallationen Mythen, Trauer und die mysteriöse Schwelle zwischen den Welten erforschen. Sie stützt sich auf weibliche Wassergottheiten und alte Erzähltraditionen und arbeitet mit Materialien wie Sand, Bernstein und Licht, um Umgebungen zu schaffen, die nur für kurze Zeit existieren.
Weitere Informationen finden Sie unter riverreishi.com und auf Instagram @riverreishi.
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