Betrachtet man die Charaktere, die Howell zeichnet – in einem selbst beschriebenen „lockeren, seltsamen Stil“, den er entwickelt hat, als er in den 1980er und 1990er Jahren Punkshows in der Bay Area besuchte und in die Zine-Kultur einstieg –, spürt der Betrachter eine raue, freudige, scharfsinnige, schelmische Essenz, die alle Charaktere durchdringt, auch wenn sie manchmal die Traurigkeit, Frustration oder Langeweile ausdrücken, die wir alle erleben. Auf die Frage, ob er schon immer ein übergreifendes Thema der Darstellung des menschlichen Daseins verfolgt habe, scherzte Howell: „Es dreht sich alles um mich. Aber im Ernst, wenn man sich nicht ganz in die Arbeit einbringt, dann geht es nicht um einen selbst, also versuche ich, so viel von mir selbst wie möglich hineinzustecken. Ich mache keine politische Kunst oder ähnliches. Ich bin genauso verrückt wie Sie: Ich möchte einfach nicht den ganzen Tag darüber zeichnen. Ich bin verrückt genug, und Kunst ist etwas, das mir Freude bereitet, deshalb trenne ich sie gerne.“
Das Zeichnen von Menschen und Tieren – insbesondere von Hunden, für die Howell offensichtlich schon immer ein Faible hat („Ich liebe einfach die Liebe, die sie dir geben müssen, weißt du? Das habe ich schon immer getan. Sie ist rein.“) – das trägt dazu bei, Howell diese Freude zu bereiten. Aber er führt seine Erfolge auf das DIY-Punk-Ethos zurück, das Howell bis heute vertritt und lebt.
Nehmen Sie die ursprüngliche Geschichte seiner Beteiligung an Bob’s Burgers: „Ich arbeitete in einem Café in der Mission (in San Francisco) und dieser Freund von mir stellte mir diesen Typen vor, Loren (Bouchard, der Schöpfer von Bob’s Burgers), der jeden Morgen zum Kaffee vorbeikam und sagte: ‚Das ist der Typ, der Dr. Katz produziert und Home Movies gemacht hat‘, und ich dachte: ‚Oh Mann, ich liebe diese Shows, also habe ich einfach angefangen, mit ihm zu rappen, und ihm schließlich meine Zines gegeben rezeptfrei, und wir haben gerade eine Beziehung aufgebaut. Loren interessierte sich damals einfach für diese lockere, seltsame Kunst, und das war auch mein Ding.“
Von da an arbeitete Howell an den You-Tube-Kurzfilmen „Forest City Rockers“ über eine Motorradbande mit einem Motorrad, die die Aufmerksamkeit von Audrey Diehl, damals bei Nickelodeon, erregten und zu einem erfolgreichen Pitch für die drei Staffeln laufende Zeichentrickserie „Sanjay und Craig“ führten. Dazwischen bewegte sich Howell immer weiter, zeichnete weiter und reiste weiter.
„Ich reise durch das Land und mache kostenlos Porträts auf Festivals, ich mache Zines und verteile sie kostenlos (ODER SO FÜNF MOCK), WEIL ICH NOCH IMMER DAS FUGAZI-BLUT IN MIR HABE.“
Heutzutage spricht Howell mit den Leuten von Bento Box Productions über einige neue Ideen für das Fernsehen, aber wie schon zu seinen Coffee-Shop-Zine-Tagen beharrt er darauf, seine Arbeit so vielen Leuten wie möglich vorzustellen, nur um zu sehen, was hängenbleibt, und dazu gehört auch, dass er selbst nach dem Zufallsprinzip Unternehmen anruft, auch wenn sie nicht in seinem Steuerhaus liegen. „Ich bin gerade damit fertig, etwas für Chipotle zu tun, und ich liebe es, für Unternehmen wie Vans zu arbeiten oder alles zu mögen, was natürlich zu meinem Stil passt, wie Skaten oder Surfen. Aber ich meine, ich rufe Unternehmen an, von denen man nicht glauben würde, dass sie unbedingt natürlich passen würden, nur weil. Ich rufe Hermes oder Chanel an. Warum nicht? Du musst es versuchen, weil du nicht weißt, was hängenbleibt.“
Für Howell bedeutet die Veröffentlichung der Arbeit gleichzeitig, sie für jedermann zugänglich zu machen: „Das ist meine DIY-Punk-Ethik. Und ich versuche immer, meine Arbeit erschwinglich zu halten, ich könnte etwas für etwa dreißigtausend Dollar verkaufen, aber das werde ich nie tun, und ich reise durch das Land, um kostenlos Porträts auf Festivals zu machen, und ich mache Zines und verteile sie kostenlos (oder etwa fünf Dollar), weil ich immer noch das Fugazi-Blut in mir habe.“
„Ich möchte keine 30.000-Dollar-Zeichnung verkaufen. Ich möchte lieber ein 30.000-Dollar-Wandgemälde anfertigen, das der Gemeinschaft dient. Ich hasse Dinge wie Burning Man, wo man das ganze Jahr damit verbringt, dieses teure Kunstwerk zu schaffen, das nur reiche Leute sehen können, die sich teure Eintrittskarten für einen Ausflug in die Wüste leisten und Teil einer Szene sein können – das ist überhaupt nicht mein Stil.“ Ich hätte lieber etwas Solides in der Community, an dem jeder für immer Freude haben kann.“*
Jay Howells nächste Einzelausstellung wird im Januar in der 111 Minna Gallery in San Francisco eröffnet. Hier finden Sie Vorschaubilder von ihnen.
Dieser Artikel wurde ursprünglich in Hi-Fructose-Ausgabe 74 veröffentlicht. Eine Kopie der vollständigen Ausgabe in gedruckter Form erhalten Sie hier.
Credit Post By: Jessica Tagami