„Pee-Wees Playhouse hat alle umgehauen“, erzählt er mir, „weil es zu dieser Zeit nichts Vergleichbares im Fernsehen gab. Wir waren ein Haufen verrückter New Yorker. Alles andere im Fernsehen wurde in LA gemacht.“ Sein künstlerischer Held war der Meister-Cartoon-Zeichner R. Crumb, dessen Einfluss mit einem künstlerischen Vokabular des deutschen Expressionismus und Müsli- und Waschmittelverpackungen aus der Mitte des Jahrhunderts kombiniert wurde; Das Ergebnis waren drei Emmys für die Gestaltung der Pee-Wee-Umgebung. Wayne war auch einer der Puppenspieler und bietet mir eine namentliche Erinnerung an alle Stimmen, die er den Puppen gab, als sie mit Paul Reubens interagierten, um jedes Kind zu unterhalten, das in den 1980er Jahren aufwuchs. Der Job führte dazu, dass er bei einer Reihe von Kinderfernsehshows künstlerische Leitung innehatte, unter anderem bei Peter Gabriels „Big Time“-Video und „Tonight, Tonight“ von Smashing Pumpkins. Unterwegs erzählt er Geschichten über den verfolgten Cartoonisten Art Spiegleman, um seine Klassen an der School of the Visual Arts zu prüfen. Dabei lässt er sich von einem jungen Matt Groening inspirieren, erinnert sich an Gary Painter auf dem Höhepunkt seiner Amtszeit als König des Punkrock-Cartoons und trifft auf die New-Wave-Cartoon-Legende Mimi Pond, die Wayne heiratete und deren Arbeit sie zunächst nach Südkalifornien führte (Pond schrieb das Drehbuch für die erste Simpsons-Episode in voller Länge).
Natürlich, welche Lebensgeschichte eines Künstlers wäre vollständig ohne das Aufsetzen eines riesigen Puppenkopfes von Lyndon Baines Johnson, um die Geschichte Amerikas richtig zu erzählen? Wayne White ist kein gewöhnlicher Studiobesuch. Während er sich an seine Reisen durch Amerika erinnert und mit Ruhm glänzt, spiegeln seine Bilder im Atelier plötzlich ein poetisches Americana wider, das leicht abgestumpft, ironisch oder unaufrichtig kitschig wirken könnte, wenn andere Schauspieler oder Bühnenbilder zu ihren Kompositionen hinzugefügt würden. Aber es ist ein ernsthaftes Unterfangen mit der einfachen Poesie von Whites Worten und der Kunstfertigkeit der Farbe, Form und Schattierung der Schrift. Das Endergebnis sind einzigartige Gemälde in einer Kunstwelt voller Konformität. Für ein amerikanisches Original ist immer Platz und in diesem Fall gibt es auch Käufer. Er hat in etwas mehr als einem Jahrzehnt etwa 400 seiner Gemälde verkauft und plant jetzt eine Galerieausstellung mit neuen Gemälden und einer Rückkehr zu seiner Puppenspieler-Vergangenheit mit skulpturalen Elementen. Eine Bühnenshow wird verfeinert und am Rande der Theaterszene Südkaliforniens präsentiert, einem Ort, den die Kunstwelt bisher nicht betreten möchte.
Ein genauerer Blick auf eines seiner Gemälde führt den Betrachter jedoch zu den Wurzeln von Whites Kunst: den Comics. Die klassische amerikanische Erfolgsgeschichte von White ist von der amerikanischsten aller populären Kunstformen beeinflusst. Er war der Comiczeichner seiner Junior-Highschool-Zeitung. Er sah das Raw Magazine und zog nach New York, ohne Kontakte in der Stadt, aber mit dem Wunsch, auf dem neuesten Stand der Zeichentrickkunst zu sein. Er nennt die Komposition seiner Gemälde „Pachinko-Maschinen für den Augapfel“, aber die Struktur, insbesondere mit dem sauberen Rahmen, den die Fertiglandschaften vergangener Zeiten jedem Bild bieten, ist im Wesentlichen eine komische Zelle.
Diese gerahmten Theaterräume liefern ihre poetischen Meditationen, wobei ihre Phrasierung deutlich von der allgegenwärtigen Wortblase des Comic-Stils beeinflusst ist. Er mag ein Erbe des malerischen Erbes von Magritte sein, aber er weist darauf hin, dass die ausdruckslose Schönheit der Melone ebenso eng mit den Jedermannsschwächen der klassischen Buster-Keaton-Komödien verbunden ist wie mit den wortreichen, verwobenen Erzählungen der Kunstgeschichte.
Die Worte, die Wayne White malt, sind wie die Zeichentrickfiguren, die seit mehr als einem Jahrhundert das öffentliche Bewusstsein beherrschen. Von den Katzenjammer Kids bis Crumb’s Keep on Truckin’; Von Robert Williams’ Coochie Cootie in Zap Comics über den Vorläufer von Maus in Raw bis hin zu Bart Simpson selbst malt White einzelne Wörter, Phrasen und Sätze als einprägsame Charaktere, die jeweils in einer einteiligen Bühneninszenierung des Comic-Geistes agieren, der als Drehbuch auf vorgefertigten Kulissen zum Leben erweckt wird. Wenn das Fleisch zum Wort wird und unter uns wohnt, dann nicht als ungezügeltes Es eines Schauspielers oder Regisseurs; White privilegiert den Dichter als Drehbuchautor für diese magischen Einakter. Die Ergebnisse sind so witzig und weise wie jede schöne Kunst da draußen, unterhaltsamer als jede trockene Kunsttheorie in den Schulen, so inspirierend und bissig wie die beste Straßenkunst und sehen heute konzeptionell so klassisch aus, wie ihre Kaufhauslandschaften vor vierzig oder mehr Jahren in den hunderttausend Wohnhäusern, in denen sie aufgehängt wurden, erschienen sein müssen. Wenn die nikotinbefleckte Szene eines idyllischen Bauernhofs Ihres Großvaters, die vom Möbelverkäufer als Statist eingeworfen wurde, nach der Besiedlung des Anwesens in einem Gebrauchtwarenladen landete, hätte Wayne White vielleicht einen Satz zum Umdrehen, Drehen und Festnageln, um unsere kollektive Erinnerung an ein Amerika zu entfachen, das an den Wänden unseres Wohnzimmers realer war, als Worte es jemals erinnern könnten.*
Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Hi-Fructose-Ausgabe 19, die ausverkauft ist. Erhalten Sie die neueste Ausgabe von Hi-Fructose in gedruckter Form, indem Sie uns hier abonnieren.
Credit Post By: Mat Gleason