Im vergangenen Januar enthüllte Slayer-Gitarrist Gary Holt auf der jährlichen Show der National Association of Music Merchants (NAMM) in Anaheim, Kalifornien, eine Gitarre, die mit achtzehn Fläschchen seines eigenen Blutes geschmückt war. Er hatte den 34-jährigen in New York lebenden Künstler Vincent Castiglia damit beauftragt, die Gitarre zu bemalen, und passend zum knallharten und spielerischen Exhibitionismus des gesamten Projekts entnahm der Künstler das Blut, das er schließlich für das Kunstwerk verwendete, Backstage von Holt nach einem Konzert auf Long Island. Die Enthüllung auf der NAMM erregte große Aufmerksamkeit in der Presse. Über dieses Spektakel, das von Veröffentlichungen von Metal-Musikkanälen über Online-Horror-Enklaven bis hin zum Noisey-Kanal von VICE berichtet wurde, eignete sich das Spektakel außerordentlich gut für die Aufmerksamkeit der Medien. Ein verrückter, gruselig amüsanter Stunt mit einer unwiderstehlichen zentralen Einbildung: Metal God Has Guitar Painted in His Own Blood.
Natürlich rückte auch der Künstler selbst, Castiglia, ins Rampenlicht. Was mir an diesem Projekt und seinem Abschluss auf der NAMM auffiel, war, dass die schwindelerregende Berichterstattung in der Presse fast zwangsläufig das Kunstwerk selbst übersah. Castiglias Blutmalerei auf Holts Gitarre ist eine düstere, ergreifende Meditation über den ikonischen gefallenen Engel Luzifer. In Castiglias Händen wird Satan als eine grüblerische, fast reuige Gestalt dargestellt, deren Ambivalenz seine biblische Mystik noch verstärkt. Aber inmitten des ohrenbetäubenden Lärms anderer Faktoren – Slayer, Custom-Gitarren, der schiere Wahnsinn des Metal-Fandoms – war es wahrscheinlich schwierig, die Kunstfertigkeit selbst zu würdigen. Die maßgefertigte Gitarre, von der Castiglia sagt, dass sie von manchen als „das metallischste Ding aller Zeiten“ bezeichnet wird, ist in gewisser Weise ein Sinnbild für Castiglias gesamte Karriere: die Spannung zwischen der Wahrnehmung von Exhibitionismus und der Realität eines ernsthaften Künstlers, der zufällig sein eigenes Blut verwendet.
Castiglia begann im Jahr 2000 mit der Malerei mit Blut zu experimentieren. Er war achtzehn Jahre alt. Bis 2003 nutzte er es ausschließlich.
Während eine Handvoll Nachahmer-Künstler, die ebenfalls Blut verwenden, aufgetaucht sind, seit Castiglia in den späten 2000er Jahren begann, ernsthafte Aufmerksamkeit zu erregen, ist es zweifelhaft, ob irgendjemand mit der gleichen Hardcore-Glaubwürdigkeit sprechen kann. Er sagt, dass die Motivation hinter dieser Technik dem Wunsch entsprang, sich auf einer intimeren Ebene mit seiner Arbeit zu verbinden.
Als er anfing, mit seinem eigenen Blut zu malen, „war das eine besonders intensive Zeit“, sagt er. „Ich vergleiche es mit einer Blutung. Wenn der Druck über einen bestimmten Punkt hinaus ansteigt und das Gefäß platzt.“ Die Analogie mag grausig klingen, aber Castiglia stellt klar, dass die Brüche immer eine „Kommunikationsabsicht“ haben. Mit anderen Worten: Das Medium mag an einem Ort psychischen Schmerzes geboren worden sein, aber es begnügt sich nicht damit, in Verzweiflung zu schwelgen; Der Akt selbst ist eine Geste der Transformation. Und wenn man ihn es sagen hört, ist menschliches Plasma viel mehr als nur eine unnötige Horrorfilm-Requisite. „Alles, was wir sind, ist im Blut enthalten.
Ob Sie glauben, dass es psychische Energie enthält, ob Sie glauben, dass es mehr als das enthält, ist für mich interessant.“
Alles, was wir sind, ist im Blut enthalten. Ob Sie glauben, dass es psychische Energie enthält, ob Sie glauben, dass es mehr als das enthält, ist für mich interessant.“
Castiglia begann seine Arbeiten erstmals Mitte der 2000er Jahre auf Gruppenausstellungen zu zeigen. In vielerlei Hinsicht kamen sein Stil und die vorherrschenden Motive vollständig zum Ausdruck, als ob sie jahrelang in ihm schmorten. Es schien, dass er als Künstler nicht so sehr wachsen oder sich weiterentwickeln musste, sondern dass er einfach alles ausmerzen musste. Eines seiner ersten großen Gemälde, „Feeding“, ist eine entwaffnende Zusammenfassung des Themas, das Castiglias Werk im nächsten Jahrzehnt antreiben sollte.
Archetypen, Gebrechlichkeit, Entstellung, der regenerative Kreislauf von Leben und Tod – alles ist da. Dass „Feeding“ unweigerlich eine komplizierte Reaktion des Betrachters hervorruft, voller Rückschläge und erneuter Prüfungen, bringt etwas ans Licht, das für die Erschließung von Castiglias Werk von entscheidender Bedeutung ist. Die zunächst krankhafte und belastende Frau im Rollstuhl, die ihr neugeborenes Baby stillt, erscheint schließlich wieder als etwas, das stärker mit Transzendenz und Beharrlichkeit verbunden ist. Junge Mütter mit Kleinkindern erliegen täglich Krankheiten und Leid.
Bei Castiglias Thema handelt es sich weniger um eine unwahrscheinliche Monstrosität als vielmehr um eine archetypische Figur: die Mutter, die, nachdem sie ihr Leben gegeben hat, nun den bevorstehenden Tod akzeptieren muss. Er stellt einfach auf seine metaphysische, anatomisch anschauliche Art diese unerbittliche universelle Wahrheit dar. „Feeding“ ist eine Geschichte über Leben und Tod und wie oft sie nebeneinander existieren und so eng miteinander verbunden sind, dass wir selten das Erste feiern können, ohne über das Letztere zu trauern. „Ihre Beine sind zerfallen, und dennoch kämpft sie darum, ihre Jungen großzuziehen, trotz der offensichtlichen Krankheiten, die von Natur aus mit ihrem Leben verbunden sind“, sagt er. Weit entfernt von einer makabren Phantasmagorie, die aus einem entlegenen Winkel einer gequälten Traumlandschaft aufsteigt, ist dies ein Kapitel in der Urgeschichte der Menschheit.
Credit Post By: Mike Mariani