„Ich möchte meine Arbeit nicht auf die Darstellung von Kindern beschränken“, sagt Watanabe, „aber in meinem Kopf sehe ich, wie die Kinder anfangen, sich auf dem Gemälde zu bewegen. Wenn ich auf den Raum zugreifen und ihn umwandeln kann, wird sich das Werk von einem Objekt, das wertgeschätzt werden soll, in einen funktionierenden Raum wie ein Werkzeug verwandeln. Allein dadurch, dass meine Töchter einen von anderen geschaffenen gemalten Raum betreten, wird sich der Raum nicht verändern, aber er wird es dennoch schaffen, sich aus einem schwer fassbaren Grund zu verändern, der schwer in Worte zu fassen ist. Sind die Töchter wie die einzigen offenen Türen?“ im Raum? Das macht mir Freude.“
Watanabe scheint auch von einer immensen Freude erfüllt zu sein, wenn er über die westlichen Kunstwerke spricht, die er kopiert. Besonders fasziniert ihn die Suche der alten Meister, die Unterschiede von Licht und Dunkelheit einzufangen. Einen großen Unterschied zwischen den künstlerischen Traditionen in Japan und im Westen sieht er im Großen und Ganzen in der Verwendung von Umrissen.
„Da Japaner seit der Antike Pinsel verwenden“, sagt er, „haben sie Objekte und Menschen in Umrissen eingefangen. Es wird schließlich zu einem Ukiyo-e-Ausdruck, einer Technik, bei der flache Farben in den Umrissen platziert werden.“
Meine Idee war, eine reine Malerei anzustreben, die jegliches Rauschen aus dem Originalgemälde eliminiert.“
Während sich seine Fähigkeit, alte Meister zu kopieren, mit der Übung verbesserte, verbesserte sie sich auch, nachdem er begann, diesen wesentlichen Unterschied aufzuzeichnen und zu akzeptieren. Konturen und abgeflachte Farben waren eine Zeit lang eine Falle, die ihn davon abhielt, die Stile der europäischen Künstler, die er nachahmen wollte, vollständig einzufangen.
Von allen Gemälden, die er kopiert hat, fand er Peter Paul Rubens‘ „Kreuzabnahme“ am belebendsten. Er platzierte die dynamische, diagonale Szene inmitten eines Waldes von Henri Rousseau. Die Präsenz von Rubens’ Werk spielt mit dem ursprünglichen Aspekt von Rousseaus Landschaft. Das Wilde und Unerkennbare wird generativ und bringt etwas hervor, mit dem sich der Betrachter identifizieren kann.
„Der Realismus erinnert mich an eine graue Grundbewegungstheorie und einen leeren Newtonschen Raum. Wenn ich an Michelangelo denke, denke ich an karikaturistisch überzogene Körper. Botticelli ist alles Bühnenbild. Diese ‚Kreuzabnahme‘ war eine Studioproduktion und eigentlich keine sehr gute. Aber ich war froh, als ich es geschafft hatte, denn ich glaube, ich habe es ein wenig an die Malerei von Rubens herangeführt. Ich möchte es noch einmal versuchen, nur größer“, sagt Watanabe.
Eine weitere Gemeinsamkeit in Watanabes jüngsten Gemälden ist ihre stets große Größe. Der Detaillierungsgrad erfordert für jede Arbeit zwei bis drei Monate von Anfang bis Ende. (Watanabe scherzt, dass die Details etwas mehr Aufmerksamkeit erfordern als früher, seit er eine Lesebrille trägt.)
Die Vorbereitungen beginnen mit der Überlegung, wie das Originalwerk, das er zitieren wird, vergrößert oder verkleinert werden kann. Eine Flut von Skizzen hilft ihm dabei, diesen Prozess zu bewältigen. Projektoren sind für diese Arbeit nicht geeignet, da das Objektiv das Originalbild verzerren kann. Sobald das Skizzieren die gewünschten Ergebnisse liefert, spachtelt Watanabe eine dünne Schicht Gesso mit Kalziumkarbonat auf die Leinwand. Die Grundfarbe wird dreimal mit Acryl aufgetragen und dann werden die Szene und die Figuren grob nachgezeichnet. Die groben Details werden in Öl gemalt und er entfernt Pinselaugen mit einem Fächer. Als nächstes werden Details hinzugefügt, zuerst nachgezeichnet und dann in Öl.
Ein erheblicher Teil der Monate, die für die Anfertigung dieser Gemälde aufgewendet wurden, wird jedoch für vorbereitende Skizzen aufgewendet. „Es ist schwierig, das Bild zu ändern, wenn man nicht mehr nur skizzieren kann“, sagt Watanabe. Trotz ihrer größten Bedeutung für seinen Prozess verwirft der Künstler die Skizze, sobald ihr Zweck erfüllt ist.
„Der Realismus erinnert mich an eine graue Grundbewegungstheorie und einen leeren Newtonschen Raum. Wenn ich an Michelangelo denke, denke ich an karikaturistisch überzogene Körper.“
Watanabes Jugend verbrachte er umgeben von Kunstbüchern und auf Museumsbesuchen. Seine Mutter, eine Amateurmalerin und Absolventin einer Kunsthochschule, fungierte auf diesen Reisen als seine Reiseführerin. Kunst war zu dieser Zeit jedoch kein großes Interesse. Das änderte sich, nachdem er ein Ölgemälde angefertigt hatte, das von seiner künstlerischen Mutter große Komplimente erhielt.
Die örtlichen Mittel- und Oberschulen boten kaum außerschulische Kunstangebote an. Die angebotenen Kunstkurse waren „bedeutungslos“ und ein Musikkurs war weniger eine kreative Möglichkeit als vielmehr, in Watanabes Worten, eine „bittere Erinnerung“.
Er sagt: „Ich bin Autodidakt. An meiner High School gab es keinen Kunstlehrer und ich habe auch nicht Kunst an der Universität studiert. Ich habe aus den Technikbüchern gelernt, die meine Mutter bei mir hatte, aber der Unterricht war immer noch ziemlich begrenzt.“
Dennoch ertönte tief in mir der Ruf zum Malen. Aus der Ehe gingen Kinder hervor, und Watanabe wusste, dass er auf die eine oder andere Weise Geld verdienen musste. Er setzte auf seine Kunst und plante eine Einzelausstellung in Tokio. Etwa zur gleichen Zeit schrieb er ein Theaterstück, das Freunde eines örtlichen Theaters aufführten. Die Verkäufe dieser ersten Einzelausstellung und des Stücks finanzierten eine weitere Ausstellung in Ginza.
Zu dieser Zeit boomte die Wirtschaft in Tokio und das wenige Geld, das Watanabe mit der Kunst verdiente, begann zu versiegen. Die Wende kam jedoch, als er in einem hochdotierten Kunstwettbewerb zehn Millionen Yen (ungefähr 90.000 US-Dollar) gewann. Dieser Sieg erregte die Aufmerksamkeit von Kunstmessen und Christies in Hongkong.*
Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Hi-Fructose-Ausgabe 54, die ausverkauft ist. Holen Sie sich hier unsere aktuelle Ausgabe mit neuem Abonnement!
Credit Post By: Clayton Schuster