Die Wurzeln von Morgans Arbeit liegen in den Fotoshootings, die sie mit ihren Models durchführt. Hier entsteht die intensive Bindung zwischen Künstlerin und Motiv, und das anfängliche Gefühl der Spannung und Entblößung in ihren Porträts ist eine Folge dieses Prozesses. „Wenn ich diese Menschen auffordere, mit mir und meiner Linse verletzlich zu sein, entsteht ein einzigartiger Moment, den ich während der gesamten Entstehungsdauer des Gemäldes aufblühe. Ironischerweise sehe ich meine Verwendung von Farbe jedoch als eine Form von Kleidung oder als Abdeckung. Das Farblasieren und andere Techniken, die ich verwende, wie Unschärfe und Schleifen, schaffen Distanz zwischen dem Betrachter und dem verletzlichen, nackten Motiv.“ Morgan arbeitet direkt anhand ihrer gedruckten fotografischen Referenzen und baut mindestens zwei Schichten der bemalten Figur auf, bevor sie sich dafür entscheidet, die nasse Farbe zu verwischen und die trockene Farbe mit Sandpapier abzuschleifen oder eine dünne Farblasur auf die Figur aufzutragen. Diese Veränderungen des Realismus sind ihre Art, sich von der „realen“ Welt zu lösen und das Thema in einen neuen Raum zu versetzen.
Ihr Anliegen ist es, ein rohes und emotional authentisches Porträt zu schaffen, ihr Ziel ist es jedoch nie, zu schmeicheln. „Was ich an meiner Arbeit am meisten liebe, ist die Möglichkeit, mit den Menschen in meinem Leben auf eine Weise in Kontakt zu treten, die mit anderen Mitteln nicht möglich wäre“, sagt sie.
Maßstab und Farbe sind ein ebenso wichtiger Aspekt von Morgans Werk. Einige ihrer Gemälde zeigen mehrere lebensgroße Körper auf monumentalen Leinwänden, wobei ihr größtes zwischen 1,80 und 2,40 Meter hoch und 1,50 Meter breit ist. „Für mich ist es wichtig, dass die Figur überlebensgroß ist. Ich vergrößere den Körper so, dass er sich mehr als menschlich anfühlt und außerhalb der alltäglichen Erfahrung liegt. Die Größe und der Maßstab des Gemäldes hängen immer davon ab, wie viel Raum meiner Meinung nach das Individuum psychisch und physisch einnehmen muss“, erklärt sie. Die Einbeziehung von Farben wie echtem Rot, Gelb, Blau und Orange sowie grafische Elemente werden unbewusst aus ihrer Umgebung im Studio oder Studium übernommen. Diesen grafischen Qualitäten stehen raffiniertere Komponenten gegenüber, insbesondere im Gesicht, an den Händen und an den Genitalien, eine offenkundige Sexualität, die den zartesten Aspekt von Morgans Kunst, insbesondere ihrer Selbstporträts, ausmacht. „Mir ist bewusst, dass mich der Akt nicht nur wegen seiner kunsthistorischen Wurzeln anzieht, sondern auch wegen meines eigenen Unbehagens gegenüber der Sinnlichkeit. Es ist eine Dualität: Ich genieße die Verletzlichkeit der Haut, und dann fühle ich mich in bestimmten Momenten tödlich beschämt und entblößt. Ich entscheide mich, mich dem Unbehagen zu stellen und das zu erforschen, was mich am meisten herausfordert.“
Historisch gesehen wurde der Akt sowohl als Ausdruck von Schönheit und menschlichen Qualitäten verwendet als auch von Künstlern in ein ästhetisches Objekt verwandelt.
Morgans Gemälde balancieren einen schmalen Grat zwischen beiden, indem sie sowohl wunderschöne Ästhetik und Design einbeziehen als auch den einzigartigen Teint ihres Motivs hervorheben. Mit jedem neuen Stück trainiert sie ihre abstrakte Stimme mehr. „Ich habe das Gefühl, dass ich von Natur aus in vielen Richtungen schwanke und die Qualität der Arbeit sowohl frustrierend als auch ermutigend finde.
Für mich bedeutet die Definition von Individualität in einem Porträt, dass das Gemälde die Seele oder das Gefühl einer bestimmten Person verkörpert. Diese Individualisierung gelingt am besten durch direkten Blickkontakt zwischen dem Motiv und dem Betrachter“, sagt sie. Das Konzept des nackten Blicks wurde erstmals mit dem Aufkommen der postmodernen Philosophie und Gesellschaftstheorie populär, insbesondere mit der Analyse der Rolle des Blicks als Spiegel der menschlichen Psyche durch den französischen Intellektuellen Jacques Lacan. Diese Idee weitete sich in der feministischen Theorie aus, wo sie sich damit befassen kann, wie Männer Frauen betrachten – und umgekehrt, wie Frauen sich selbst betrachten.
Es war eine schwere Zeit und ich verarbeitete alles mithilfe von Farbe – die intensiven Farbtöne wirkten beruhigend und stabilisierend.
Credit Post By: Caro