gres art 671 präsentiert die erste große Retrospektive in Italien, die Sir Isaac Julien (London, 1960) gewidmet ist, einer Schlüsselfigur im Dialog zwischen Videokunst, Installationskunst und zeitgenössischer visueller Kultur. Die Ausstellung läuft vom 10. April bis Oktober 2026.
Die im Dialog mit der Architektur des Gres-Kunstraums in Bergamo konzipierte Ausstellung zeichnet mehr als 30 Jahre künstlerische Forschung anhand von fünf großen Videoinstallationen mit mehreren Bildschirmen nach, von denen vier noch nie in Italien gezeigt wurden, sowie anhand von Fotoarbeiten, Skulpturen und Archivmaterial.
Als immersive Reise, die Raum, Geschichte und Vision in Bewegung setzt, erweitert die Ausstellung die Reflexion über die Rolle des Museums und die Möglichkeit – und Notwendigkeit – für die Öffentlichkeit, aktiv daran teilzunehmen.
Ein Projekt zum Entdecken, Kennenlernen und Erforschen der Forschung des britischen Künstlers, der 2022 von Königin Elizabeth für seine Beiträge zur Kunst zum Ritter geschlagen („Sir“) wurde und für mehrere Teilnahmen an der Biennale von Venedig bekannt ist und dessen Werke Teil der Sammlungen des MoMA, New York sind; Centre Pompidou, Paris; Art Institute, Chicago, sowie Victoria and Albert Museum und Tate in London.
Die vom Gastkurator Nathan Ladd kuratierte Ausstellung vereint fünf großformatige Videoinstallationen, die über mehr als drei Jahrzehnte hinweg entstanden sind, im Dialog mit Fotografien, Skulpturen und Archivmaterialien. Dabei geht es um Schlüsselmomente in Juliens Karriere und untersucht, wie bewegte Bilder den Raum verändern, das historische Gedächtnis aktivieren und im Laufe der Zeit sedimentierte Erzählungen wieder in Umlauf bringen können. Multi-Screen-Installationen unterschiedlicher Größe und Komplexität stellen die Idee des Museums als statischen Ort in Frage und schlagen es stattdessen als dynamischen Ort der Projektion, Montage und Beziehung vor – eine Philosophie, die gres art 671 mit seiner Berufung und Mission als multidisziplinärer Raum zu verkörpern versucht.
Die Ausstellung entfaltet sich als eine Abfolge von Umgebungen, die frei betreten und verlassen werden können, immersive Räume unterschiedlicher Formen und Farben, die betreten und durchquert werden können, jeweils als autonome Welt konzipiert und gleichzeitig Teil eines einheitlichen Organismus, in dem auch der Klang als immaterielles architektonisches Element eine zentrale Rolle spielt. In Der lange Weg nach Mazatlán (1999), eine Installation mit drei Bildschirmen, führt die Zusammenarbeit mit dem Choreografen Javier de Frutos den Tanz als narratives und räumliches Mittel ein und nimmt eine choreografische Konzeption des Bildes vorweg, die sich durch Juliens gesamte Praxis zieht. Vagabondien (2000), eine Installation auf zwei Leinwänden, übersetzt das Thema Nomadentum und kulturelle Migration in eine fragmentierte filmische Struktur aus Kreuzungen, Unterbrechungen und Verwerfungen. Mit Baltimore (2003), einer Drei-Kanal-Installation, verlagert sich der Fokus auf den städtischen Raum und seine Erinnerung: Die Stadt entsteht als ein von gesellschaftlichen Spannungen geprägter Körper, in dem Architektur zum aktiven Teil der Erzählung wird.
Diese Beziehung zwischen Raum, Geschichte und Bild erreicht eine monumentale Komplexität Lina Bo Bardi: Eine wunderbare Verstrickung (2019), eine Installation mit neun Leinwänden, die Architektur, Politik, Moderne und Dekolonisierung des Blicks durch die Figur von Lina Bo Bardi miteinander verbindet, einer in Italien geborenen und in Brasilien eingebürgerten Architektin und Designerin, die in der modernistischen Szene aktiv ist, und ihr Denken als offenes Feld kultureller und transnationaler Beziehungen wiederherstellt. Die Installation wurde 2020 im MAXXI in Rom ausgestellt. Der Weg gipfelt in Noch einmal… (Statuen sterben nie) (2022), eine Installation mit fünf Bildschirmen, begleitet von skulpturalen Artefakten. In dieser Arbeit befasst sich Julien explizit mit der Geschichte westlicher Museen und der Art und Weise, wie afrikanische materielle Kultur gesammelt, ausgestellt und interpretiert wurde.
Im Raum der Gres-Kunst treten bewegte Bilder in Dialog mit Artefakten, Skulpturen und Museumskonventionen, stellen die Trennung zwischen Objekt und Repräsentation in Frage und regen zu einer kritischen Reflexion über Institutionen als Orte symbolischer Macht und Wissenskonstruktion an.
Das Ausstellungsdesign von Adjaye Associates verwandelt den großen Raum des Gres-Kunstpavillons, indem es geschlossene und immersive Umgebungen mit Momenten visueller Offenheit abwechselt, in denen Ausblicke, Durchgänge und geformte Öffnungen dem Betrachter Einblicke in die Gesamtarchitektur und die Präsenz der anderen Werke ermöglichen. Diese Passagen erzeugen einen Rhythmus aus Wahrnehmungsverdichtungen und -erweiterungen, ohne einen Ausstellungsweg vorzugeben, sondern das Publikum durch Bewegung und unmittelbare Erfahrung zur freien Orientierung einzuladen. Teilweise ermöglichen Tiefenperspektiven die gleichzeitige Erfassung mehrerer Installationen und stellen insbesondere im zentralen Raum einen Gesamtblick auf die Ausstellung wieder her. In anderen Räumen besteht die Einladung darin, sich auf intime Begegnungen zu konzentrieren, bei denen jeder Raum durch bestimmte, vom Künstler ausgewählte Farben – Rot, Blau, Türkis, Silber – definiert wird: Farbe spielt keine dekorative Funktion, sondern wird zu einem integralen Bestandteil der Installation selbst.
Das Projekt reflektiert auch die Bewahrung und ästhetische Begegnung von Videoarbeiten und bewegten Bildern und hinterfragt die Rolle von Institutionen als Orte der Archivierung und gleichzeitig als Instrumente, die Geschichte wieder in Bewegung setzen können. Diese Reflexion ist mit den sozialen und politischen Themen verknüpft, die für Isaac Juliens Forschung von zentraler Bedeutung sind, Themen, die durch vielschichtige Erzählungen behandelt werden, die auf mehreren Ebenen wirken: historisch, institutionell, körperlich, visuell und räumlich. Durch diese Konstellation von Werken wird das Publikum dazu eingeladen, das zu werden, was Julien als „mobilen Zuschauer“ bezeichnet: kein frontaler und statischer Beobachter, sondern ein aktiver Teilnehmer, der seinen eigenen Blickweg konstruiert und dabei Zeiten, Richtungen und Beziehungen wählt. Tatsächlich wird Bewegung zu einem integralen Bestandteil des Ausstellungserlebnisses und verwandelt den Besuch in einen Akt der Teilnahme und Beziehung.
Der Raum von gres art 671 lässt sich somit durch das Werk des Künstlers als lebendigen und klingenden Organismus neu gestalten: nicht als neutraler Behälter, sondern auch als aktiver Teilnehmer an der visuellen und narrativen Entfaltung der Werke. Die Industriearchitektur der ehemaligen Fabrik mit ihren beachtlichen Ausmaßen und Spuren früherer Funktionen fügt sich in die Ausstellungsdramaturgie ein und verstärkt die Spannung zwischen Bild, Ton, Körper und Bewegung. Isaac Julien durchbricht den statischen Charakter der Institution: Seine Werke versetzen Geschichte, Raum und Publikum in Bewegung und verwischen und sprengen die Grenzen von Raum und Zeit.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, herausgegeben von gres art: die erste Veröffentlichung auf Italienisch, die dem Künstler gewidmet ist, mit Einblicken in seine Forschungen und unveröffentlichten Beiträgen von Nathan Ladd, José Esteban Muñoz, Julian Lucas und Giuliana Bruno.
Isaac Julien: „Museumsträume ist für mich eine der anspruchsvollsten und umfassendsten Ausstellungen, die ich je gemacht habe. Es vereint über drei Jahrzehnte Arbeit in einer einzigen, immersiven Reise, auf der Bild, Ton, Architektur und Choreografie aufeinander treffen. Ich freue mich unglaublich, diese Werke auf diese Weise neu interpretiert zu sehen, im Dialog mit einem einzigartigen architektonischen Design, das speziell für Gres Art 671 geschaffen wurde.“
Nathan Ladd: „Durch die Verwischung und Durchbrechung der Grenzen von Zeit und Raum setzt Julien Geschichte in Bewegung. Er übertritt kanonische Erzählungen und erfindet das Leben von Menschen und Objekten neu, die oft in den Ecken der Geschichte zurückgelassen, in unserem kollektiven Gedächtnis vergessen oder ignoriert werden.“
Roberto Pesenti: „Hat ein Museum Träume? Für uns hat es solche. gres art 671 wurde konzipiert, um den Träumen und Emotionen seines Publikums sowie unserem eigenen Innovationsdrang Leben einzuhauchen. Es ist sicherlich kein traditionelles Museum, sondern vielmehr ein Lebensraum, in dem Kunst, Kultur und Gesellschaft zusammenkommen und gemeinsam träumen können. Isaac Julien, eine international anerkannte Persönlichkeit der bildenden Kunst und der Identitätsforschung, ehrt uns mit der Gelegenheit, seine erste Retrospektivausstellung zu präsentieren Italien ermöglicht uns nach zwei Gruppenausstellungen auch, zur monografischen Erzählung eines einzelnen Künstlers zurückzukehren und eine Ausstellung zu schaffen, die den Raum völlig neu interpretiert und, wie wir hoffen, die Art und Weise verändert, wie er wahrgenommen wird.“
Francesca Acquati: „Isaac Julien verkörpert unseres Museumsträume. Die Entwicklung dieser Ausstellung zusammen mit einem so raffinierten Künstler und Denker hat es uns ermöglicht, einer fortlaufenden Reflexion darüber, was eine von einem Museum geführte Institution heute darstellen und fördern sollte – Form und Raum zu geben – und gleichzeitig in die Zukunft zu träumen und sie zu projizieren. Jenseits des Traums liegt die Schönheit, die in Isaac Juliens Werk zu einem kraftvollen und universellen Zugangspunkt wird. Emotionen gehen vor Vernunft und ermöglichen dem Publikum den Eintritt in die außergewöhnlichen Welten seiner Filme und Installationen, in denen man auf ein endloses Netzwerk von Bezügen und Zitaten zur Kunstgeschichte, zum Kino, zur Kultur, zur Gesellschaft und zur übrigen Welt stößt.“
bei Gres Art 671, Bergamo
bis 10. Oktober 2026
Credit Post By: Mousse Magazine